"Нам даны ноги для того, чтобы мы ликовали вместе с ангелами..."

Все балетные pas являются частями одного общего торжества и ликования человеческого духа.

Вот что значит хореография".

А.Л. Волынский (1861 - 1926)

среда, 28 ноября 2012 г.

Королева Дании Маргрете на репетиции балета "Щелкунчик"


Королева Дании Маргрете II создала декорации и костюмы к балету Петра Чайковского «Щелкунчик»
В этой версии «Щелкунчика» действие происходит не в волшебном мире, который снится главной героине балета, а в парке копенгагенском парке «Тиволи» в эпоху Ханса Кристиана Андерсена, пишет ИТАР-ТАСС.
«Мы хотим убедить зрителя, что феерический мир - это и есть знаменитый копенгагенский парк», - сказала королева на пресс-конференции.
«Тиволи» - один из старейших развлекательных парков в Европе, который открылся в 1843 году и остается гордостью датчан.
Проект Маргрет II предусматривает создание более 100 костюмов и четыре больших декорации для 36 танцоров. Декорации будут изготовлены в Копенгагене, а костюмы сшиты в Лондоне.
71-летняя Маргрете II участвовала в постановке уже четырех спектаклей в театре пантомимы «Тиволи» в 2001-2009 годы. Она также занимается живописью, рисунком и книжными иллюстрациями. Королеве, работающей в области театральной и телевизионной сценографии уже около 30 лет, вместе с еще тремя художниками потребовался год для создания этих эскизов.
Премьера в «Тиволи» состоится 22 ноября. За один месяц - до 22 декабря - будет показано 28 спектаклей.
Премьера балета "Щелкунчик" состоится 22 ноября в развлекательном парке "Тиволи".



































пятница, 23 ноября 2012 г.

театр "Новая опера" опера "Набукко"

Андрейс Жагарс: на сцене трудно показывать войну


– Национальная опера Латвии становится все больше и больше известна в мире. Но когда более десяти лет назад вы возглавили рижскую оперу, она была, кажется, просто одним из провинциальных театров оперы и балета, каких было в Советском Союзе немало?
– Труппа была усталой от частой смены руководства, она казалась растренированной и растерянной. Многие молодые люди уехали. Внутри были какие-то совдеповские нравы: примадонны, интриги, никаких представлений о современном менеджменте. Театр только что открылся после ремонта, а до этого пять лет он был бездомным, сидел в старой телевизионной студии. В историческом здании все эти годы делали роскошную реставрацию – с золотом и бархатом. Молодая небогатая страна потратила огромные деньги на ремонт театра. Кстати, многие политики были против реконструкции: считали, что у Латвии были в тот момент и более насущные проблемы.
– Вас, наверное, приняли настороженно – актер и предприниматель, мало что понимающий в опере.
– Я как-то быстро ее полюбил, хотя действительно плохо разбирался. И понял, что надо побыстрее убирать некоторых так называемых мэтров и искать молодых, давать им роли, которые по статусу им, возможно, еще и не положены. Пришлось быть жестким – любые реформы в театре кровавы. Я пригласил сильного дирижера – но не рижского, со стороны, не связанного с местной тусовкой. Оркестр стал свежим, вскоре зазвучал живее, собраннее. Певцы подтянулись.
– Что тяжелее всего было поднимать – уровень солистов, музыкальное качество или, может быть, балет?
– Ни одно из перечисленного. Труднее всего было изменить представление людей о театре. Убедить в том, что этот театр не поле для политических игр, не позолоченный дом приемов для правительства и бизнес-элиты. Что там показывают не что-то безумно дорогое и изысканное, что опера является современным искусством, в том числе для молодежи. Мы воевали за успешных 30-летних людей, за яппи. Нам очень помогли летние фестивали в маленьких городках, куда мы выезжали и где собирались совсем простые люди. Многие из них были уверены, что опера – это такое место, где толстые дяди и тети кричат под музыку на непонятных языках.
– Когда режиссеры становятся руководителями театров, никто не удивляется. Когда директора вдруг начинают ставить спектакли, это вызывает подозрения.
– Когда я играл в театре и роли были небольшими, я занимался "угловой" режиссурой – то есть сидел в углу и придумывал, как бы я сам сделал этот спектакль, чтобы он был гораздо лучше. Тем более если режиссеры были сонными, без вдохновения. Когда я стал директором, то очень увлекся организационной работой. Но когда положение в театре стало более или менее стабильным, когда мы благополучно прошли через несколько кризисов, мне стало скучновато: творчески я ничего не создавал. Я испугался, что буду просто занимать кресло, а ничего страшнее, чем держаться за место, в жизни нет. С другой стороны, я не мог отнимать работу у других – скажут, что использую служебное положение. И тут вдруг театр позвали на оперный фестиваль в Швецию и заказали "Летучего голландца", причем под открытым небом. Режиссера свободного не было, сроки были довольно сжатые, и я решил рискнуть, попробовать. Увлекся как безумец. Отклики были хорошими, и я почувствовал, что имею право продолжать.
– В двух ваших самых удачных оперных постановках, "Пиковой даме" и "Леди Макбет Мценского уезда", так или иначе присутствует тема нашего общего советского прошлого. Она же во многом определяет лучшие спектакли режиссера Алвиса Херманиса в Новом рижском театре. Так получается, что вся конвертируемая театральная продукция Латвии рождена переживаниями советской истории. В чем, по-вашему, причина этого?
– Честный вопрос требует честного ответа. Не знаю как Алвис, но я могу в режиссуре говорить только о том, что очень хорошо знаю. Может быть, потому, что я сам родился в Сибири, моя мама была в ссылке, я очень чувствую плоть того времени. Мне все это близко и знакомо. А то новое время, которое принесло всем нам много хорошего, не питает пока моего воображения. В советское время мы все были смешаны, люди культуры были как будто отдельной независимой республикой. Люди искусства и дружили как-то особенно. Я же вырос на спектаклях Льва Додина и Анатолия Эфроса. Кстати, заметьте, что в тех спектаклях, о которых вы спрашиваете, есть добрая усмешка и грусть. Об общем прошлом говорится без ностальгии, но и без злой иронии, без издевательства.
– В "Набукко" тоже есть какое-то переживание недавнего прошлого?
– Честно говоря, это был не мой выбор, а предложение театра. Мне стало интересно просто выполнить заказ и притом постараться сделать эту историю живой. Мы перенесли действие в конец 30-х годов прошлого века, перед войной, во времена тоталитаризма, когда евреев уже стали преследовать.
– То есть в те времена, из-за которых оперу "Набукко" потом еще долгое время не решались ставить, боясь тонкостей еврейского вопроса?
– Да, именно. Музыка в опере красивая, но конфликт безумно кровавый. В тексте все время про смерть – морте, морте, морте. А на сцене очень трудно показывать войну. Тем более не спекулировать еврейским вопросом.
Время новостей, 5 декабря 2006 года

7 декабря в Москве состоится благотворительный гала-концерт «Три века Петербургского балета»

7 декабря 2012 года в Москве на сцене Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко состоится большой благотворительный гала-концерт «Три века Петербургского балета», посвященный 275-летию Санкт-Петербургской Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой. Юбилейный вечер пройдет под патронатом Губернатора Санкт-Петербурга Георгия Полтавченко. Последний раз знаменитая отечественная школа танца была представлена в столице таким масштабным концертом четверть века назад, когда отмечала свое 250-летие.
Организаторы мероприятия задумали уйти от формата обычного концерта: «Мы хотим возродить традицию известных благотворительных «Петербуржских вечеров», стиль которых всегда особым образом подчеркивал уникальность и значимость события», - говорит режиссер-постановщик вечера, народный артист России Юрий Лаптев. Современные технические возможности, видео-инсталляции и классический танец соединятся в виртуальной машине времени для того, чтобы продемонстрировать всю историю русского балета с момента открытия Академии и до наших дней.
Отметить день рождения родной школы приедут «вагановцы» из разных стран, солисты Мариинского, Большого, Михайловского и других ведущих театров России, а также нынешние воспитанники Академии. В этот день на сцену выйдут Диана Вишнева, Фарух Рузиматов, Игорь Зеленский и многие другие. Почетными гостями вечера станут Юрий Григорович, Наталья Макарова, Людмила Семеняка.
Основанная в 1738 году танцмейстером Жаном Батистом Ланде по указу императрицы Анны Иоанновны первая профессиональная балетная школа, а ныне – Академия Русского балета им. А.Я. Вагановой, воспитала целую плеяду выдающихся мастеров танца. Авдотья Истомина, Анна Павлова, Матильда Кшесинская, амара Карсавина, Вацлав Нижинский, Джордж Баланчин, Галина Уланова, Наталия Дудинская, Константин Сергеев, Рудольф Нуреев, Михаил Барышников, Олег Виноградов – это далеко не полный список ее именитых учеников. Разработанная педагогом и танцовщицей Агриппиной Вагановой методика преподавания классического танца давно признана во всем мире. Grand Opéra и Covent Garden, American Ballet Theatre и New York City Ballet, DeutscheOper Berlin и Bayerische Staatsoper отдают свою сцену мастерам российского балета.
 СПРАВКА
Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой.
Основана в 1738 году. Высшее учебное заведение России, которое готовит высокопрофессиональных специалистов почти всех «балетных» профессий: танцовщиков, педагогов, репетиторов, хореографов, аккомпаниаторов, балетоведов, менеджеров театрального искусства.
Художественный руководитель Академии - народная артистка России Алтынай Асылмуратова, в прошлом - прима Кировского (Мариинского) театра; Ректор Академии – профессор Вера Алексеевна Дорофеева.
www.vaganova.ru

понедельник, 19 ноября 2012 г.

Балет «Иван Грозный»: премьера в Большом 8-14 ноября 2012


 «После первого просмотра я долго бродила по улицам. Невозможно было после спектакля такой необычайной мощи сразу пойти домой и заняться обыденными делами. Раньше мне не приходилось задумываться, какой была та эпоха». Так написала великая Галина Уланова после премьеры балета «Иван Грозный» в феврале 1975 г.

Историк балета Александр Колесников:

«Иван Грозный» – совершенно неожиданный для балетного мира того времени замысел. Был хорошо известен одноименный фильм Сергея Эйзенштейна, который снимался во время войны, и музыка к нему Сергея Прокофьева. Уже тогда, после появления фильма, Абрам Стасевич, который дирижировал оркестром на записи, сказал Прокофьеву: «Эта музыка должна иметь самостоятельное значение. Надо сделать ее для симфонического оркестра». На что Прокофьев ему ответил: «Делай, что хочешь». И Стасевич соединил отдельные куски. Это был первый шажок.

В 1973-74 годах директор Большого театра композитор Михаил Чулаки решил вместе с Григоровичем создать балет. Вот тогда был сделан следующий шаг: музыка, оставшаяся после Прокофьева и Абрама Стасевича, была конвертирована в балетную партитуру. Но ее оказалось мало, и поэтому было принято решение, что основу дополнят сочинениями Прокофьева этого периода и этой тематики.


Декорации и костюмы к той постановке «Ивана Грозного» были придуманы и сделаны знаменитым театральным художником Симоном Вирсаладзе.



Вирсаладзе создал на сцене гигантский иконный триптих в качестве основной декорации. Он либо мгновенно открывал, либо «прятал» те или иные мизансцены. Вирсаладзе придумал костюмы танцующих бояр — когда солисты двигались, зрителю казалось, что оживают фрески. Крой и цвет нарядов художник создавал вместе с Григоровичем. Он использовал в костюмах и декорациях одни и те же цвета и материалы, добиваясь единства действия. Про это говорили, что «Вирсаладзе одевает не персонажей спектакля, а сам танец». А в художественных мастерских Большого до сих пор в ходу термин «цвет Вирсаладзе» — так говорят о сложных, приглушенных оттенках, которые любил мастер.

Юрий Григорович и Симон Вирсаладзе. Сулико — так его звали в Большом.




Декорации к спектаклю 1975 г. уже утрачены и к новой редакции их делали заново по оставшимся эскизам, а вот костюмы, над каждым из которых работал сам Вирсаладзе, сохранились и я их в мастерских театра видел своими глазами.





Все костюмы к «Ивану Грозному» были рукодельными, многие создавались «по живому» — Вирсаладзе добавлял детали, отрезал лишнее, складки распускались или собирались, актеры повторяли движения, чтобы показать, как заживет костюм на сцене.





«Костюмы бояр были сшиты из мешковины, — вспоминал заслуженный артист Юрий Ветров, — и он кистью на наших глазах наносил на них золотую краску. Они превращались в дорогую парчу».









Вот эти костюмы в сцене с князем Курбским. Большой не успел реставрировать их к премьере и взял напрокат в парижской Опере. Вчера балет Большого театра танцевал «Ивана Грозного» во французских костюмах.





Настоящие костюмы Вирсаладзе реставрируют здесь — в мастерских Большого театра. Судя по стенам, последний раз здесь делали ремонт в то же время, когда создавался балет «Иван Грозный».





Всего несколько мастеров обслуживают весь «костюмный» парк Большого. А в одном только «Иване Грозном» более двухсот костюмов, не считая деталей.










Историк балета Александр Колесников:

«Премьера «Ивана Грозного» состоялась 20 февраля 1975 года. Наталья Бессмертнова – Анастасия, в заглавной партии был Юрий Владимиров, а Курбского танцевал Борис Акимов. Сказать, что спектакль просто прозвучал, – ничего не сказать. О нем говорили, и это была не просто очередная мастерская постановка Большого, а своего рода переворот внутри балетного мира, балетной тематики. Через 2-3 месяца театр отправился на гастроли в США. Очень редкий случай, когда новый спектакль поехал на гастроли. Там «Иван Грозный» произвел необыкновенный эффект»

1975 г. Наталья Бессмертнова готовится к выходу на сцену.




Слева — Юрий Владимиров, первый исполнитель партии царя Ивана в балете. Рядом — Юрий Григорович, Н.Симачев и В.Кудрявцев.





Один из старейших работников театра, заведующая художественно-производственной мастерской по производству костюмов Галина Ивановна Нуритжанова показывает оставшиеся костюмы солистов к первой постановке «Ивана Грозного»











1975 г. Владимир Васильев в роли царя Ивана.





1975 г. Владимир Васильев в финальной сцене балета.




Историк балета Александр Колесников:

«На том, первом спектакле в США, присутствовал Поль Либерман, директор Парижской оперы. Он в антракте прибежал за кулисы представляться и договариваться о том, чтобы «Иван» был поставлен в Париже. Уже в декабре 1976 года «Иван Грозный» пошел в Пале Гарнье, Парижской опере. Премьеру приезжали танцевать артисты Большого Бессмертнова и Владимиров. Но важно, что это было поставлено для французской труппы и спектакль остался у них в репертуаре».

Парижская опера помогла Большому, который, как я писал, не успевал подготовить старые костюмы к премьере. Французы, у которых «Иван Грозный» идет до сих пор, прислали свою сценическую одежду. Задачей костюмеров было сделать примерку для всех артистов, посмотреть подходят ли костюмы.





Костюм вестника победы примеряет солистка Большого Юлия Гребенщикова.










Ольга Марченкова меряет наряд боярыни.














Вчера в Большом театре состоялась премьера новой редакции балета «Иван Грозный». Вот несколько фотографий генеральной репетиции, которая состоялась 4 ноября. Фантастически яркое зрелище! «Иван Грозный» вновь в Большом — это, конечно, стоит увидеть.

Царь Иван Грозный — Павел Дмитриченко

Царевна Анастасия — Анна Никулина

Князь Курбский — Артем Овчаренко